Amy vs. Amy

Si en el pasado fueron los Beatles y los Rollings, en esta nueva era asistimos a otro combate épico-musical...

Amy Winehouse

contra

Amy Duffy

Duelo de neodivas.







¿Tu a quien prefieres????

efemérides

25 de abril de 1980 muere Alejo Carpentier, escritor cubano, es de los primeros en desarrollar el concepto de lo "real maravilloso", que a partir de tal año se hizo referencia obligada para hablar de la literatura latinoamericana.

Vanessa Beecroft (Génova, 1969)

“Mis desnudos son lo que el público quiera ver en ellos y lo que no. Son lo que no pueden ignorar y aquello de lo que se sorprenden al descubrirse a ellos mismos ignorando. El desnudo es parte de todos y cada uno de nosotros, sobre todo cuando nos quitamos la ropa, e, incluso, no es la persona en sí misma”

VB 61

Si la obra de Louise Bourgeois está muy determinada por las condiciones familiares en las que se movió su infancia, la de la italiana residente en Nueva York, Vanessa Beecroft tiene en sus problemas de anorexia uno de los puntos de referencia fundamentales, que le lleva a reflexionar de forma constante acerca del cuerpo de la mujer, sobre su apariencia física y la percepción que de ello tiene la sociedad en general, y las propias mujeres en particular. Durante su etapa anoréxica describió de forma obsesiva en un diario, todo lo que comió entre 1983 y 1993, añadiendo notas acerca de los sentimientos de culpabilidad que experimentaba, de las visitas psiquiátricas, sobre sus padres.

En 1993 decide convertir todo eso en el leit motiv de su creación artística, poniendo ante los ojos del público las consecuencias de ese trastorno alimenticio. Para ello diseñó una performance con 30 mujeres, algunas de ellas encontradas de forma casual en la calle, a las que vistió con ropas suyas logrando un efecto de homogeneización física, y a las que hizo caminar alrededor de un espacio, sin hacer ningún tipo de ruido y a cierta distancia unas de la otras. Fue la obra titulada VB01.

A partir de ahí la utilización de grupos de mujeres es recurrente, normalmente desnudas o semidesnudas, que responden a patrones concretos, en cuya selección no existe la casualidad sino que tienen un fuerte vinculación con la artista. “Mis modelos son mujeres. Ellas representan a tipos muy concretos de mujeres o a ciertos rangos de edad. Las obras se basan en las relaciones entre las modelos y el público, en las relaciones que se establecen entre los individuos que conforman el público, en las que nacen de la interacción de las propias modelos con ellas mismas, y, además, en las relaciones que se establecen entre cada individuo que se acerca a las obras y lo que tiene lugar en su cabeza. Todo es intencionado.”

Modelos que con ropa o sin ella, mantienen la clave uniformizadota, en la que la individualidad no tiene cabida, y a las que coloca en el interior de espacios en los que tienen prohibido comunicarse entre ellas o con los espectadores que se las encuentran casi como si fueran un jardín de estatuas, generando unas atmósferas inquietantes, provocadoras y que suscitan multitud de interrogantes que la artista no resuelve porque no busca abanderar ningún tipo de causa, no hay mensajes ocultos que haya que descubrir, sino que se deja absoluta libertad para que el espectador vuelque sus experiencias, sentimientos, formas de pensar, sobre la obra y extraiga las conclusiones que estime más oportunas y totalmente personales.

“Mi trabajo está tan próximo a la pintura como a la escultura clásica. Mis obras son pinturas que se desarrollan lentamente en el tiempo. Sus referencias, cuando están presentes, son casi siempre de la pintura. Pero el hecho de que no me sirva de ella es irrelevante.” Esa afirmación de Beecroft nos pone delante de otras dos cuestiones fundamentales para entender su trabajo. La primera es la que tiene que ver con la continuidad que sus mujeres desnudas establecen con la historia del arte. Así, en su obra se pueden rastrear modelos que tienen que ver con las representaciones de Eva, Venus o Magdalena salidos de los pinceles de Filipo Lippi, Botticelli, Velázquez, Manet, por citar algunos de ellos, además de otros más vinculados al arte contemporáneo.

Y el tiempo. Ese factor tiene también una importancia decisiva en sus performances, ya que obliga a sus modelos a pasar mucho tiempo inmóviles, hasta provocarles un cansancio que rompe de forma natural el plan inicial de la performance, y con ello también juega la artista, quien ve como sus mujeres no tienen otro remedio que sentarse o adoptar posturas que rompan la incomodidad que van acumulando, modificando con ello los postulados de partida. Así, esas mujeres que se nos presentaban al principio como unos seres lejanos, fríos, inasibles, se transmutan en personajes mundanos, cansados, aburridos, derrotados.

“Nadie actúa, no ocurre nada; nadie comienza nada ni nada termina”

Alfredo

Sant Jordi 2008

Sant Jordi té una rosa mig desclosa

pintada de vermell i de neguit;

Catalunya és el nom d’aquesta rosa,

i Sant Jordi la porta sobre el pit.

La rosa li ha contat gràcies i penes

i ell se l’estima fins qui sap a on,

amb ella té més sang a dins les venes

per plantar cara a tots els dracs del món.

Josep Mª de Sagarra

Tadao Ando (Osaka, 1941)

Las edificaciones de este arquitecto autodidacta japonés, que primero fue boxeador profesional con debut allá por el año 1958, nacen del conflicto, de su peculiar forma de entender la vida y, por extensión, la arquitectura, disciplina a la que decidió dedicarse después de ver como la luz entraba por el óculo del Panteón de Roma. Una arquitectura la suya que tiene más que ver con la experiencia que con el puro intelecto, unos diseños en los que busca plasmar la sabiduría alcanzada a través de las vivencias vitales, una arquitectura que se eleva por encima de las preguntas, las dudas, y también por encima de emociones como el miedo o el sufrimiento, porque Ando ve su trabajo como creador de emociones sublimes y eso sólo es posible transmitirlo al espectador si el arquitecto se juega la vida en cada obra, porque la pasión sólo puede salir del conflicto.

"El boxeo es un deporte de lucha en el que uno sólo cuenta consigo mismo. Durante los meses que preceden a un combate, te dedicas a adiestrar el cuerpo y la mente mediante la práctica y el ayuno. Es un deporte draconiano en el que te juegas la vida, abrazando tanto la soledad como la gloria. Mis experiencias como boxeador, la intensidad de saltar al cuadrilátero, la soledad de tener que luchar completamente solo, sin contar con nadie, se convirtió en mi piedra de toque creativa."

Por ello, encontrarse con una obra de Ando le supone al espectador un momento de profunda emoción, de encontrarse con una geometría clara, nítida, pero muy alejada de los simple. Una sutileza oriental en la que florecen o subyacen, las creencias, la filosofía vital que el arquitecto fue asimilando desde su infancia en Osaka, unido a la observación del trabajo de maestros artesanos, sus recorridos por los barrios de su ciudad y de Kioto y luego el salto a Europa, le dieron un bagaje visual y de experiencias del que nacen sus obras.

Construcciones en las que los muros son un elemento fundamental, construidos con hormigón visto en muchos casos, muestran su naturaleza desnuda, dentro de una gama limitada de materiales, sin adornos y que transmiten una gran fuerza interna, casi como si invitaran a ser tan fuertes y puros como ellos mismos lo son, pero, al mismo tiempo, también pueden ser delicados, acogedores. Son pura esencia y demuestran que el gris hormigón también puede ser cálido y tener una belleza minimalista. Lo sencillo puede ser tremendamente bello.

Ando tampoco se olvida de lo que rodea al edificio, de ahí que la integración de la obra con el cielo sea otra de sus preocupaciones, un cielo que consigue que entre a formar parte de la construcción. Un cielo que enmarca las entradas propiciando un juego de luces y sombras con las paredes de un hormigón tridimensional, que generan una arquitectura dinámica, muy atrayente.

"A primera vista mi arquitectura connota desnudez, como si quisiera crear la clase de espacio abstracto que se obtiene al suprimir todos los elementos prácticos, funcionales y humanos. En realidad, yo no lucho por un espacio abstracto sino por un arquetipo de espacio."

La arquitectura de Ando es de una compleja simplicidad, sólida y delicada, de geometrías claras, rotundas, que imponen su presencia, y, al mismo tiempo, tienen un carácter fuertemente evocador, en unos muros que "casi parecen llenos de dolor", según escribe Masao Furuyama, quien también habla de la "estética de la ausencia", cuando se refiere a la obra de Ando.

"Pienso que la arquitectura se torna interesante cuando se muestra éste doble carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la complejidad de que pueda dotársela".

Alfredo

Genexus Rocha... la revolución informática ya está aquí.

Por Mónica.

Con esta simple pregunta, el equipo de Artech Consultores, nos prepara mentalmente a que digamos que sí, que todo lo que pueda venir va a ser bueno(ya se liberó Genexus Rocha RC).

Como Analista y usuaria de esta herramienta de desarrollo puedo decir que, Genexus no es solo éso, sino que implica toda una filosofía de trabajo que ha revolucionado la programación de los sistemas informáticos.
Con su "describir" en lugar de "programar", como bien se puntualiza en los manuales, "con esta pretensión se constituye un cambio esencial en el paradigma e implica un choque cultural." Pero este choque es tan bueno, que ha logrado una rápida aceptación general.
El secreto del éxito de esta herramienta son sus Knowledge Bases (bases de conocimiento) donde Genexus atesora el conocimiento puro de cada negocio, cuya validez es totalmente independiente de las tecnologías de moda.
Con Genexus se logró que los desarrolladores podamos, a partir de la visión de los usuarios dedicarnos más a las tareas de análisis ya que, Genexus en sí se encarga de capturar y sistematizar el conocimiento, para luego realizar automáticamente las tareas de diseño e implementación(normalización de Base de datos y su creación, generación de proramas, etc.)
A fin de mes se libera la versión definitiva de Genexus Rocha, en lo que se considera su lanzamiento más importante de los últimos diez años. Rocha incorpora cambios radicales y permitirá aprovechar las oportunidades de la Web 2.0.
El 23 de Abril de 2008 se realizará el VI Encuentro GeneXus en México.
Bajo la consigna de Create More se desarrollará el mayor evento de la Comunidad de México que tendrá, como principal atractivo, la presentación de la próxima versión de GeneXus.
Si querés saber más... entrá aquí.

Leones por corderos

FICHA:

Título original:Lions for lambs
Dirección: Robert Redford
Guión: Matthew Michael Carnahan
Música: Mark Isham
Fotografía: Philippe Rousselot
Reparto:
Tom Cruise
Robert Redford
Meryl Streep
Derek Luke
Michael Peña
Andrew Garfield
Peter Berg
Tracy Dali
Louise Linton
Rustee Rutherford

Trailer








ARGUMENTO:

La película está montada en tres planos narrativos entrelazados magistralmente. Por un lado un senador (Tom Cruise)es entrevistado por una veterana periodista (Meryl Streep). Este senador pretende manipularla ganándola para que apoye lo el llama una nueva estrategia para Afganistán,pero la periodista reconoce la nueva estrategia como la vieja estrategia usada en Vietnan, de usar a los soldados como cebos para hacer salir al enemigo y bombardearlo. Una estrategia por lo demás ya fracasada entonces...los efectos de esa estrategia es que un helicóptero pierde a dos hombres en una emboscada, asediados por los talibanes resisten valientemente a la espera del rescate....esos dos soldados son ex-alumnos del profesor que encarna Robert Reford, que intenta convencer a un prometedor estudiante que ha perdido el interés por los estudios proponiéndole aprobarle de antemano con solo asistir a las clases, sin exámenes ni trabajos adicionales. Y pone como ejemplo a los dos soldados, afroamericano uno y portorriqueño el otro, procedentes de los ghetos, pero que consiguieron llegar a la universidad con becas. Comprometidos social y políticamente se alistaron tras el 11-S.



MI COMENTARIO:



Leones por corderos, es una frase de un general alemán que en la batalla del Somme elogió a los soldados ingleses que batían como leones mandados por oficiales que en su opinión eran unos cobardes corderos. Corderos como los dirigentes estadounidenses que están llevando la guerra afgano-iraquí con cobardía, pusilanimidad e ineficacia. Solo preocupados por sus negocios y carreras políticas.
La película es altamente ambigua, pues se ha vendido como antibélica. En ningún momento se cuestione la legitimidad de esta guerra, más bien se critica su gestión por parte de los gobernantes, el pasotismo de la población no implicada directamente y la manipulación de los medios de comunicación.
Pero yo no creo nada de eso, el mismo senador lo dice claramente en una de las escenas..."el problema no es Afganistán ni Iraq, es Iran"...
La guerra va como debe ir a los intereses israelo-americanos, un conflicto permanente que permita y justifique la presencia norteamericana en la zona. Es entrenamiento para las legiones y beneficios económicos. A la par que se tiene vigilado a Irán para que en ningún momento se le ocurra fabricar una bomba atómica. Curiosamente los iraníes saben y conocen el juego, mantienen la cuerda tensada en una extraña guerra fría de desgaste para los americanos y los árabes que ponen los muertos. Todos a la espera de que ocurra algo.
La cosa se pone terriblemente siniestra si recordamos que Irán quiere decir, país o tierra de los arios. Aquí entramos en unas kabalas esotéricas que mejor no pensar.








Jesús

Arte sociológico

El 12 de enero de 1972 Fred Forest publicó en Le Monde un recuadro en blanco de 10 x 15 cm2 con una breve leyenda que incitaba a cada lector a expresarse mediante la escritura o el dibujo, cortar la página entera -convertida así en una obra- enmarcarla o enviársela. En respuesta le llegaron dibujos humorísticos, mensajes políticos, obras que ostensiblemente buscaban el valor estético, insultos, propuestas de encuentros, hasta de un hospital psiquiátrico que decía hallar su única comunicación con el mundo exterior.
El objetivo fue romper la trama densa de las columnas tipografiadas, liberar un espacio dentro del discurso autoritario, unidireccional, de la prensa a los lectores, ofrecerles un vehículo para sus propias informaciones, el pasaje del consumo pasivo a la participación activa.

Su logro fue parcial, pues el periódico, quizá porque advirtió los riesgos subversivos de la propuesta, la incluyó en la página de arte, se negó a publicar ninguna de las 800 respuestas y no otorgó nuevos espacios.

Forest tuvo que resignarse a difundir las contestaciones en galerías de arte, y repitió la experiencia en periódicos de Suiza, Bélgica, Suecia, Argentina y Brasil.

El arte sociológico, no busca representar lo social, explica Hervé Fisher, sino cuestiona los procedimientos con que habitualmente se lo representa. En vez de reproducir ingenuamente las relaciones sociales, osea, reproducir, más que lo real, las convenciones icónicas que nos acostumbran a verlo de cierta manera, se trata de producir un arte que relabore críticamente lo real y sus códigos de representación.

Para el artista sociológico, escribe Forest, el problema no es más saber qué representar, cómo representarlo, sino como provocar la reflexión sobre las condiciones mismas de nuestro ambiente social y sus mecanismos.

para cumplir este objetivo es necesario que la práctica artística se nutra en una teoría sociológica, y que el arte sea, a la vez un lugar en que dicha teroría se experimente y se visualiza.


DADA

Jan Garbarek

Jan Garbarek & Ustad Fateh Ali Khan. Saga

El pasado 4 de marzo, el saxofonista noruego Jan Garbarek, cumplió 61 años de prolífica actividad musical desde que a los 14, este hijo de un prisionero polaco y una campesina noruega, escuchara en la radio a John Coltrane tomara la decisión de dedicar su vida a ese instrumento. Se compró un método de aprendizaje y empezó a practicar la digitación incluso antes de tener el instrumento en sus manos. Esos primeros pasos fueron sólidos, ya que en 1961 ganó un concurso musical para aficionados y a los 18 años, ya estaba en la orquesta de George Russell y participó en la grabación del disco Otello Ballet.

Mucho ha sido el camino que ha recorrido este noruego, hasta convertirse en el único saxo tenor jazz europeo capaz de ejercer una profunda influencia en el panorama jazzístico norteamericano, a pesar de que sus orígenes musicales no tienen nada que ver con la raíz afroamericana del jazz nacido en los Estados Unidos.

En 1968 formó su primer trío con el contrabajista, Arold Andersen, y el baterista, Jon Christensen, a los que se incorporaría, al año siguiente, el guitarrista, Terje Rypdal. En ese mismo año grabaría su primer disco Esoteric Circle, que les abrió las puertas del sello alemán ECM en lo que fue el inicio de una larga y fructífera relación. Sin embargo, el momento que se puede considerar clave en la definición del sonido absolutamente personal que define a Garbarek, fue el contacto con Don Cherry, que en aquel entonces, mediados de los años 60, era uno de los pioneros del free-jazz y de lo que hoy se denomina World Music o Músicas del Mundo.

Fue ese trompetista el que le animó a explorar el potencial de la música folclórica del lejano norte en el que tenía sus orígenes para incorporarle los conceptos improvisatorios propios del jazz. En esa línea, Jan Garbarek publicó en 1972 el disco que tituló Triptykon, en el que por vez primera, toma los elementos propios del folclore de su país para darle un aire completamente nuevo gracias a los esquemas procedentes del jazz.

Jan Garbarek y Keith Jarrett. Spiral dance

A partir de ahí el camino que emprendió Garbarek, le ha llevado a explorar el potencial musical de los países que conforman el Oriente Medio, la India, las canciones medievales noruegas o el canto gregoriano, con tal éxito que ha conseguido colar sus discos en las listas de jazz, clásica, e incluso de rock y pop, lo que habla de una versatilidad ciertamente extraordinaria. En este punto, destacan con luz propia las colaboraciones que ha tenido con músicos como el indio Ravi Shankar; el virtuoso del laúd, el tunecino Anouar Brahem; el bajista checo, Miroslav Vitous, o el coro británico The Hilliard Ensemble, con el que grabaría dos discos imprescindibles como son Officium (1994) y Mnemosyne (1999). Ragas and Sagas (1992) es un disco fruto de la colaboración con el músico pakistaní Ustad Fateh Ali Khan.

A lo largo de su discografía, en la que se reúnen una treintena de títulos, destaca poderosamente el sonido que Garbarek es capaz de sacar de su saxo, tenor o soprano, para dar vida a unas notas que quedan flotando en el aire con limpieza, y seguridad, mientras que la solidez de su timbre le sirve para dar a su música un aire melódico, triste, capaz de poner la piel de gallina al oyente más insensible. El tono de su música es austero, huye de la complacencia melódica para convertirse en un instrumento capaz de evocar paisajes, vistas, sentimientos, y una complejidad oculta debajo de una sencillez capaz de hacernos llegar momentos de enorme ternura. Digamos que nos dibuja paisajes sencillos y, al mismo tiempo, tan inmensamente complejos como inmensas son los paisajes noruegos ocultos bajo la nieve de los largos inviernos nórdicos.

Los silencios, que son otro elemento que vendría a definir su estilo, contribuyen a redondear una música de una suave intensidad, con textura de terciopelo, y un punto contemplativo. En resumen, una música desprovista de todo lo superficial, en la que la emoción y el sentimiento son los elementos que priman.

Alfredo