Eastwood en Iwo Jima

Cine Club Charlot

Cartas desde Iwo Jima

Ficha

Título original: Letters from Iwo Jima

Director: Clint Eastwood

REPARTO: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya,

Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase, Shido Nakamura,

uki Matsuzaki, Hiroshi Watanabe, Takumi Bando,

Nobumasa Sakagami, Takashi Yamaguchi, Nae Yuuki

Género: Bélica

Argumento

La película narra las vidas paralelas del general Tadamichi Kuribayashi, comandante de la isla y el soldado Saigo.

El teniente general Kuribayashi, es de familia samurai, militar de carrera, culto y occidentalizado ha vivido varios años en America y conoce a los americanos. Su misión en la isla es supuestamente vital para el Japón, desde esa isla los aviones americanos pueden bombardear facilmente territorio japones. Llega a la isla con novedosas ideas estrategicas, que no agradan a los oficiales que ya estan allí, mas convencionales en el arte de la guerra. El general diseña una defensa suicida, sobre todo despues de enterarse que el Japón ya no tiene ni aviones, ni barcos, ni refuerzos. Toda esta información se la da el barón Nishi, un personaje de estilo romantico que tanto le gusta a los japoneses, una suerte de Capitán Harlock. Basicamente la defensa consistirá en esconderse como ratas por una isla completamente horadada y resistir hasta el último hombre.

Esta estrategia, no solo no gusta a los demas oficiales, partidarios de dar una batalla campal, sino al soldado Saigo, panadero de profesión, soldado inepto y superviviente de mil pruebas. Por dos...no tres veces salva la vida gracias al general Kuribayashi.

Comentario del Acomodador

Las dos películas me han parecido muy buenas, ha sido un gran acierto esto del doblete, supongo que la primera idea sería haber hecho una de sola, pero esta solución ha sido genial. En ninguna de las dos películas se ve apenas a los enemigos respectivos, hay algunas escenas de enlace, de ciertas acciones, pero son dos películas completamente diferentes.

Para mi gusto es mejor la de Cartas desde Iwo Jima, tal vez porque resulta mas exótica y hay muchas mas escenas de acción, es que somos sanguinarios. Aunque la otra no desmerece.

También es curioso la manera en como hacían la guerra los dos paises, para America como una cuestión secundaria dependiente de la opinión publica y los fondos economicos disponibles, para los americanos la guerra si que es la política por otros medios, ademas de un gran negocio. Los japoneses, van todos a una, aunque sea a su pesar, los impuestos, las requiesas y los reclutamientos forzosos, mas la presión social y emocional, como esas madres que acompañaban al funcionario encargado de entregar la papeleta de reclutación.

La batalla de Iwo Jima fue de la mas importante de la guerra del Pacífico, y toda la resistencia heroica de los japones, al final no sirvio de nada, al contrario fue muy perjudicial. Acabo convenciendo a los americanos de que la única posibilidad de rendir al Japón solo podía ser las bombas atómicas. Tal desastre vino por culpa de gente corriente, como el generla Kuribayashi, o el artillero Truman, presidente de Estados Unidos.

Argumento

La película se centra en los 6 soldados que izaran la bandera americana en el monte Suribachi, elevación estratégica en Iwo Jima.

A traves de la investigación de hijo de uno de los participantes, relata la historia toda la historia en dos tiempos, imagenes de la batalla y la campaña propagandística a raiz de la famosa foto.

Un hecho tribial como fue el izamiento de esta bandera, a los cinco dias del desembarco de los americanos y cuando todavia faltaba mas de un mes para la toma de toda la isla. Como de hecho tres y un cuarto de los participantes murieron en los combates posteriores, acciones que nos muestra la pelicula en forma de flashbacks.

Los tres supervivientes son repatriados y contratados, alguno a su pesar comoel indio Ira Hayes, para una campaña de propaganda de recaptación de fondos para la guerra, bonos de guerra los llaman.

Posteriormente la película nos muestra a modo de epílogo en que acabarón sus vidas.

Ficha

Título original: Flags of our fathers

Dirección Clint Eastwood
Guión William Broyles, Jr.Paul Haggis
Música Clint Eastwood
Reparto Ryan PhillippeAdam BeachJesse Bradford
País: Estados Unidos

Año 2006

Duración 132 min.

Prilutzky Farny "Quiero llevar tu sello"

Club de Lectura "La Ilíada"

Quiero llevar tu sello,
Estar marcada
Como una cosa más entre tus cosas.
Que las gentes murmuren: allá pasa
Allá va la feliz, la señalada,
La que lleva en el rostro
Esa antigua señal de risa y lágrima,
La cabellera derramada y viva,
toda ella una antorcha y toda llama,
musgo de eternidad sobre sus hombros
resplandeciendo así, como un lámpara
a mis pies un rumor de muchedumbre
se irá abriendo en canal, como una calle,
no importa que digan:
Esa mujer que escapa como ráfaga,
que no ve fuera de su sangre, nada,
que ya no escucha fuera de sus voces,
que no despierta sino entre sus brazos,
que camina sonriendo;
esa mujer que va segando el aire,
la boca contra el viento,
le pertenece toda como un libro,
como un reloj, la pipa o el llavero.
como cualquier objeto imprescindible
que es uno mismo a fuerza de ser nuestro.
Quiero que todos sepan
que te quiero:
deja tu mano, amor, sobre mi mano.
Sobre mi corazón, deja tu sello.

Julia Prilutzky Farny (Ucraniana nacionalizada argentina)
de su "Antología del Amor"

La imagen de la estatua de Los enamorados, está situada en la Plaza San Martín de Mar del Plata. Argentina.

Julia Prilutzky Farny: Nació en Kiev (Ucrania) en 1912 y adoptó la ciudadanía Argentina. Cursó estudios en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de la UBA, y fue discípula de Alberto Williams en el Conservatorio Nacional de Música. Fue redactora de la Nación; El Hogar; Para Ti, El Mundo, Mundo Argentino y Clarín. Inauguró la cátedra de Literatura Hispanoamericana en las Universidades de Madrid y Salamanca y dictó cursos y conferencias en universidades de la Argentina y de Latinoamérica. Es una poeta representativa de la generación del 40.

Escribió su primer libro a los dieciocho años (Títeres imperiales) que Eduardo Mallea, publicó por entregas en el diarioLa Nación. Luego siguieron sus libros de poemas: Viaje sin partida (1939) Intervalo (1940) Sonetos (1942) La Patria (1949) Comarcas (1949)El Escudo (1954) Este sabor de lagrimas (1954) Obra poéticas (1959) No es el amor (1967) Hombre oscuro (1968) Dulce y extraño amor (1982).

"Antología del amor" publicada por primera vez en 1972 , ha tenido veinticinco ediciones y mereció la Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores.

Su libro "El Escudo" recoge su poesía sobre Perón y Evita. La "Oración" que fue presentada el 26 de Julio de 1954 en acto público masivo sobre la Avenida 9 de Julio.

La dulzura e intensidad de su Poesía nos llena de placer y ternura al leerla, toda su obra es un canto al Amor y a los sentimientos más profundos.

by Clara

Las mas grandes

AUDITORIUM

España, país de toros y pandereta, como dicen sus críticos con razón. Pero dejando de lado el arte de Cuchares, en la pandereta este país ha dado grandes glorias desde siglos inmemoriales. Siempre ha habido un trono para la mejor tonadillera de su época. Por suerte, desde que se invento el disco y el cinematografo, estas reinas de la canción son también inmortales.

Pastora Imperio

Pastora Imperio es el nombre artístico de Pastora Rojas Monje (Sevilla, 1889 - Madrid, 1979) Bailaora sevillana, una de las figuras más representativas del folclore flamenco de todos los tiempos.
Pisó por primera vez un escenario a los diez años. A los doce era conocida como Pastora Monje, posteriormente Pastora Rojas y definitivamente Pastora Imperio. Su repertorio era muy variado, recitaba, cantaba y bailaba cualquier tema del folclore español.
Pronto comenzó a ser reconocida por el público. En 1912 actuó en el Teatro Romea de Madrid y posteriormente por toda la geografía española. En 1914 viajó a París y a continuación cruza el charco actuando en Cuba, Argentina Y México entre otros países americanos. Se consagró definitivamente al actuar como primera figura en el estreno del Amor Brujo de Manuel de Falla el 15 de abril de 1915 en el Teatro Lara de Madrid
El 14 de febrero de 1917 actúa ante los Reyes de España con motivo de una fiesta a favor de la Cruz Roja.
En 1928, se retira de la vida artística para retomarla de nuevo en 1934.
Se retiró definitivamente en el año 1962.
Estuvo casada durante un año con el famoso matador de toros de la época Rafael Gómez, El gallo. Tubo una hija con un miembro de la realeza, un escandalo sonado en su época.
Participó en varias películas a lo largo de su carrera: La danza fatal (1914); La reina de una raza (1917); María de la O (1936); La marquesona (1940); ¡Canelita en rama! (1943); El amor brujo (1949); y Duelo en la cañada (1959.

Desgraciadamente no tenemos ningún video de sus actuaciones, pero como muestra dejamos esta canción de Rocio Jurado dedicada a ella.

Imperio Argentina

Magdalena Nile del Rio más conocida como Imperio Argentina (Buenos Aires, Argentina, 26 de diciembre de 1906 - Torremolinos, Málaga, España, 22 de agosto de 2003) fue una actriz, cantante y bailarina.
Desde muy niña empezó a cantar y a bailar. Pastora Imperio la descubre y la rebautiza con el nombre de Petite Imperio. Pero fue Jacinto Benavente quien, viéndola actuar, decide que su arte está a la altura de Pastora Imperio pero también del de La Argentinita y la rebautiza con el nombre de Imperio Argentina.
De gira por España la descubre el director Florián Rey para la versión muda de "La Hermana de San Sulpicio". Y es con este director con quien obtine sus mayores éxitos cinematográficos. "Nobleza Baturra" y "Morena Clara", así como la versión hablada de "La Hermana de San Sulpicio" catapultan a Imperio al estrellato. Firma un contrato con la Paramount y en París trabaja con los mejores directores y actores internacionales.
Años después es requerida por Hitler para rodar una película sobre la vida de Lola Montes. Este proyecto fracasa pero rueda en Alemania "Carmen la de Triana". En Alemania coincide con Estrellita Castro, otro mito del cine y la canción española. Tras la noche de los cristales rotos abandona Alemanía.
Rueda en Argentina "Lo que fue de la Dolores" con Benito Perojo y compagina, como siempre, el cine con sus espectáculos musicales. En la década de los 60 rueda "Con el viento solano" y "Ama Rosa".
Para la Paramount filma en 1931 junto a Carlos Gardel "La casa es seria" y en 1932, "Melodía de Arrabal". Es la única cantante que hizo un dúo junto a Carlos Gardel.

Concha Piquer

Concepción Piquer López, Concha Piquer (Valencia, 8 de diciembre de 1906 - Madrid, 12 de diciembre de 1990) fue una cantante y actriz española, una de las figuras más relevantes de la copla. Interpretó varias composiciones clave de la canción española, casi todas ellas obra de Quintero, León y Quiroga, como "Ojos verdes", "Tatuaje", "Y sin embargo te quiero", "Suspiros de España", y otras muchas.
Nació el 8 de diciembre de 1908 en Valencia. Cuando contaba 11 años hizo su debut en el teatro Segueros de Valencia. Estudió canto con el maestro Laguna. Actuó en el Grao, Gandía, en los teatros valencianos Apolo y Kursaal. Fue descubierta por el maestro Penella, que preparaba el estreno de su ópera El gato montés en Nueva York. El 13 de septiembre de 1922, en un entreacto de este estreno, interpretó la canción "El florero" de Penella. Pasó cinco años en Estados Unidos, cantando en Broadway y en muchos teatros. En el año 1927, participó en la primera película sonora, El cantor de jazz. Regresó a España, donde actuó en el teatro Romea de Madrid y en el Coliseum barcelonés, y rodó en París El negro que tenía el alma blanca, de Benito Perojo. Siguió con La bodega (1930, Benito Perojo), Yo canto para ti (1935, Fernando Roldán), La Dolores (1940, Florián Rey), Filigrana (1949, Luis Marquina) y Me casé con una estrella (1955). En 1933 contrajo matrimonio con el torero Antonio Márquez. Conoció al poeta y letrista Rafael de León y junto con Antonio Quintero y el maestro Quiroga, crearon una serie de espectáculos donde aparecían canciones que se hicieron muy populares, como la copla "La parrala". Otras de sus canciones son "Tatuaje", "Cinco Farolas", "Ojos verdes", "No te mires en el río", "Los piconeros", "La Lirio", "Romance de la reina Mercedes", "A la lima y al limón", "Antonio Vargas Heredia", "Cárcel de oro", "La niña de la estación", "No me quieras tanto", "Yo soy esa", "Y sin embargo te quiero". Falleció en Madrid el 12 de diciembre de 1990.

Lola Flores

Lola Flores nació en el barrio gitano de San Miguel, en Jerez de la Frontera, en la provincia de Cádiz, concretamente en el número 45 de la calle Sol. Siendo niña ya bailaba y cantaba en la taberna que tenía su padre, Pedro Flores, conocido como el Comino, y antes de los doce años ya era reconocida como bailaora en los ambientes artísticos jerezanos. Entonces cantaba canciones de Concha Piquer y de Estrellita Castro, siendo esta última un gran ídolo de Lola.
En 1939, con 16 años, debutó en el Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera en el espectáculo “Luces de España” que encabezaba la pareja de baile formada por Rafael Ortega y Custodia Marchena y el guitarrista Melchor de Marchena. Lola Flores cantaba Bautizá con manzanilla.
Tuvo sus mayores éxitos como pareja artística de Manolo Caracol, con quien trabajó hasta 1951. En 1958 se casó con el guitarrista Antonio González Batista, El Pescaílla, con quien tendría tres hijos: Dolores, más conocida como Lolita, Antonio y Rosario. Los tres se dedicarían al mundo de la canción. Tuvo relaciones también con el futbolista del F.C. Barcelona Gustavo Biosca.
De fuerte temperamento y presencia, entre 1939 y 1987 apareció en diversas películas, en las que solía hacer el papel de gitana.
En 1962 recibió el Lazo de Dama de Isabel la Católica y en 1967 fue premiada con la medalla de oro del Círculo de Bellas Artes.
Murió en su residencia de El Lerele el 16 de mayo de 1995 a los 72 años. La causa fue un cáncer de mama que le había sido diagnosticado en 1972. Su capilla ardiente quedó instalada en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, en la plaza de Colón. En un ataúd abierto y amortajada con una mantilla blanca, fue conducida hasta el Cementerio de la Almudena en Madrid donde sería sepultada. Catorce días después de su muerte, su hijo Antonio fue encontrado muerto en la residencia familiar de El Lerele. Presumiblemente, la causa de su muerte fue una sobredosis de narcóticos. Fue enterrado junto a su madre.

Rocio Jurado

María del Rocío Trinidad Mohedano Jurado, más conocida como Rocío Jurado (Chipiona, Cádiz, 18 de septiembre de 1944[cita requerida] - Madrid, 1 de junio de 2006) fue una cantante y actriz española.
A Rocío le llegaron a llamar 'La niña de los premios' ya que ganaba todos los premios de las emisoras de radio en los cuales participaba. En 1958, su primer premio fue en Radio Sevilla, en el Teatro Álvarez Quintero, de Sevilla. Su primer premio fueron 200 pesetas, una botella de gaseosa y un par de medias, como ella misma confesó a una revista del corazón.
De la mano de su madre, viajó a Madrid, sin haber cumplido la mayoría de edad, donde una vieja amiga del pueblo la presentó a La Niña de los Peines y al maestro Manolo Caracol. Sin embargo, su imparable carrera artística no empezó hasta su primer encuentro con la cantaora Pastora Imperio.
Pastora Imperio inmediatamente contrató a Rocío para el tablao que regentaba, El Duende, uno de los primeros de la época de los tablaos. Siendo una menor, tenía que vestir ropa que la hiciera aparentar más edad para no llamar la atención de las autoridades. Su compañera, la cantaora y bailaora malagueña Cañeta de Málaga, que también había llegado a Madrid aún siendo joven a buscar fortuna con su arte y fue contratada en El Duende, recuerda en una entrevista como la joven Rocío cantó "sus alegrías, sus tientos y sus cosas de la Piquer".
Rocío siempre había dicho que nació en 1944 ya que cuando llegó a Madrid para cantar en 1960 era menor de edad. Hasta los 16 años no podía cantar en los tablaos, por este motivo se cree que falsificó su fecha de nacimiento.
Rocío JuradoLa declaración flamenca más contundente de Rocío Jurado llegaría años después cuando ya era una destacada intérprete de la copla. En 1982 aplicó sus extraordinarias dotes al cante flamenco en un doble LP con la colaboración de dos máximas figuras del flamenco: el guitarrista Manolo Sanlúcar y el cantaor Juan Peña "Lebrijano". Titulado "Ven y sígueme", descubrió que la famosa cantante también se movía con soltura por los caminos de lo jondo. A pesar de un decir lírico ya perfectamente desarrollado, la polifacética artista demuestra sus conocimientos y su compás en una serie de cantes rigurosamente tradicionales e interpretados con gran cariño.
El cineasta Carlos Saura tomó nota y se sirvió de la voz de Rocío en dos largometrajes: "El Amor Brujo" con Cristina Hoyos en 1986 y "Sevillanas" en 1992 donde interpreta junto a figuras tan relevantes del mundillo flamenco como Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Tomatito, Lola Flores, Manuela Carrasco o Matilde Coral entre muchos otros.
Su voz fue reconocida a nivel internacional. Prueba de ello es el premio como la Mejor Voz Femenina del Siglo XX, que le fue concedido en el año 2000 en la ciudad de Nueva York. Además, llegó a cantar en la Casa Blanca para el, por entonces, Presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan.
MatrimoniosRocío fue la primera en sustituir el típico traje de volantes y lunares de las tonadilleras por elegantes trajes de noche y una apariencia internacional, pero nunca dejó de vestirse de flamenca en determinadas actuaciones. El 21 de mayo de 1976, cuando se casó con el boxeador Pedro Carrasco en el Santuario de la Virgen de Regla, vistió bata de cola, peineta y volantes.
En junio de 2005, el XIV Festival de la Yerbabuena de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) fue dedicado a ella. Con su amigo de toda la vida, Juan Peña "Lebrijano" a su lado, Rocío Jurado aceptó emocionada el galardón que brindó a su padre y a todos los aficionados.
En enero de 2006, Rocío Jurado ingresó en el Hospital MD Anderson, en Houston (Texas), para someterse a una revisión y a una pequeña cirugía. Una reacción alérgica a uno de los medicamentos que le suministraron, le hizo ingresar en la Unidad de Cuidados Intensivos en un par de ocasiones, retrasando su regreso a España hasta finales de marzo de 2006 [3]. Por esas fechas, el Gobierno le concedió la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo [4].
El 1 de junio de 2006 Dª Rocío Mohedano Jurado fallecía a las cinco y cuarto de la madrugada en su casa de La Moraleja en Madrid[5], a los 61 años de edad.

Isabel Pantoja

Isabel Pantoja nació el 2 de agosto de 1956 en el barrio sevillano de Triana, en Andalucía (España). Hija de Juan Pantoja, letrista de fandangos perteneciente al grupo Los Gaditanos y de Ana Martín heredera de la pasión del baile. Isabel comenzó su carrera musical a la temprana edad de 6 años en el cuadro flamenco de su primo Chiquetete. De niña recibía el nombre de Maribel. Un año después de comenzar a bailar con Chiquetete es contratada en el tablao flamenco sevillano de El embrujo donde llegaría, en poco tiempo, a ser la primera figura.
Con 17 años acude a la capital de España y conoce al que con el tiempo sería su gran maestro y uno de los máximos exponentes de la copla española, el Maestro Solano, quien junto al poeta y letrista Rafael de León componen sus primeros trabajos discográficos. León y Solano encontraron en ella a la heredera de figuras como Imperio Argentina, Juanita Reina o Concha Piquer y decidieron apostar por unas facultades que se encargaron de pulir hasta convertirla en una primera figura. Sus discos más representativos en esta primera etapa son "22 abriles tengo", "Al alimón" y uno compuesto íntegramente por sevillanas titulado "¡Viva Triana!" en el que demuestra su versatilidad en el género.
Primeros éxitos. "Marinero de luces"Isabel no tarda en formar compañía propia y durante años cultiva con gran éxito la copla, género en decadencia en aquel momento y cuyo interés en el público consigue resucitar gracias no sólo a su talento sino también a su frescura y a una elegancia inusual a la hora de abordarlo. En esta época alcanza el éxito con temas como "El pájaro verde", "Garlochí" o "El señorito".
Su segundo gran éxito musical lo consigue con el disco "Se me enamora el alma" (1989), también compuesto por Perales y que sirve como confirmación tanto de su categoría como cantante como de su tirón popular´.
"Yo soy ésa" (1990)En vistas del éxito, en 1990 protagoniza la película Yo soy ésa, dirigida por Luis Sanz, gran conocedor del mundo del espectáculo en general y de la copla en particular y que había influido decisivamente en la carrera artística de figuras como Rocío Dúrcal o Rocío Jurado. El éxito del film, lo coloca entre las películas más taquilleras de toda la historia del cine español. Todas las canciones, grandes éxitos de la copla de sus antecesoras, fueron recogidas junto a algunas otras en un doble álbum titulado "La Canción Española" que Isabel grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres dirigida por Luis Cobos. Es éste sin duda uno de sus mejores trabajos discográficos y sirvió para consagrarla como la tonadillera moderna por antonomasia.
Casada con el torero Paquirri, muerto de una cornada en la plaza de toros de Pozoblanco, entró de lleno como leyenda viva de España. Sus amores lesbicos con la locutora de radio Encarna Sanches inspiraron la famosa novela de Tereci Moix "Garras de astracan". Convivia con el entoces alcalde de Marbella cuando este fue detenido por malversacion y blanqueo de dinero. Ella misma esta ahora imputada pendiente de juicio.Sin duda es la mujer mas famosa de España

Vale La Pena Conocerlo... (Segunda Parte)

En el año 2000, decide mezclar ritmos caribeños y realiza un disco llamado "Galería Caribe" que combina la salsa, la bachata, el merengue. Contó con la ayuda de Angel "Cuco" Peña (ganador del Grammy), Sergio George, Arturo Sandoval, Giovanni Hidalgo y del grupo venezolano Guaco. Este disco incluye también el tema Cuándo, canción que nace mientras chateaba con un grupo de chicas por Internet, la cual es incluida en el disco (ya terminado en ese entonces y listo para salir a la venta) porque Arjona así lo desea. Este tema alcanzó gran popularidad en toda Latinoamérica.


Disco: Galería Caribe (2001)


1- Carabelas
2- Mujer De Guanahani
3- Lo Poco Que Queda De Mí
4- Un Caribe En Nueva York
5- Cuando
6- Receta
7- Sólo Quería Un Café
8- Mesías
9- Te Enamoraste De Ti
10- Lo Poco Que Queda de Mí (Versión Acústica)
11- Si Usted La Viera (El Confesor)
12- Receta (Versión Acústica)
13- Pensar En Ti
14- Pensar en Ti (Versión Acústica)
15- Cuando (Versión Pop)
16- Te Enamoraste de Ti (Versión Acústica)
17-Sólo Quería un Café (Versión Acústica)
18- Porque Hablamos

CUÁNDO


"EL MESÍAS" (este tema fué censurado en varios países)


En Noviembre del 2002 lanza su séptimo álbum, "Santo pecado". Su primer sencillo El problema alcanzó el top 5 de los rankings de radio, en sólo dos semanas de difusión.

Disco: Santo Pecado (2002)

1- El Problema
2- Dame
3- Quesos, cosas, casa
4- Minutos
5- Vivir Sin Ti Es Posible
6- Santo Pecado
7- Mujer De Lujo
8- Señor Juez
9- Se Fue
10- La Nena (bitácora De Un Secuestro)
11- Me Dejaste
12- No Sirve De Nada
13- Amarte A Ti
14- Duele Verte

EL PROBLEMA

MUJER DE LUJO

DAME


Disco: Lados “B” (2003)

1- Sólo Quería Un Café
2- Tarde (Sin Daños A Terceros)
3- Animal Nocturno
4- Aún Te Amo (Carta No. 1)
5- Ayúdame Freud
6- Del Otro Lado Del Sol
7- Lo Poco Que Queda De Mí ­ (Versión Acústica)
8- Receta
9- Duerme
10- Vientre De Cuna
11- Abarroterí­a De Amor
12- Pensar En Ti (Versión Acústica)
13- Tú
14- A Cara O Cruz

Disco: Solo (2004)

1- Te Conozco
2- Desnuda
3- Mujeres
4- Lo Poco Que Queda De Mí
5- Porque Es Tan Cruel El Amor
6- Tu Reputación
7- Asignatura Pendiente
8- Olvidarte
9- Soledad
10- Si El Norte Fuera El Sur
11- Realmente No Estoy Tan Solo
12- Señora De Las Cuatro Décadas
13- La Mujer Que No Soñé

El martes 6 de Diciembre del 2005 lanza su disco "Adentro". Este disco, a menos de un mes de haber salido a la venta, alcanzó el medio millón de ejemplares vendidos. Su primer sencillo, Acompáñame a estar solo, alcanzó la simpatía de las personas y se colocó en los primeros lugares de popularidad al igual que la canción Mojado, segundo sencillo y que narra la realidad que viven las personas que emigran de forma ilegal a los Estados Unidos. Esta canción también se posicionó en los primeros lugares de popularidad, no sólo en las estaciones de pop, sino también en las estaciones de música grupera, ya que contó con la participación del grupo Intocable. El tercer sencillo de este álbum es la canción Pingüinos en la cama, con la que se posicionó en los primeros lugares de popularidad, en Latinoamérica, de forma rápida. Finalmente, su más reciente sencillo "A ti" sonó también en las radios y fue casi un éxito inmediato.

Disco: Adentro (2005)

1- Para Bien O Para Mal
2- De Vez En Mes
3- Para Que Me Quieras Como Quiero
4- Pingüinos En La Cama
5- Iluso
6- Adiós Melancolí­a
7- Mojado
8- Acompáñame A Estar Solo
9- No Me Importa Nada
10- Laura
11- No Te Cambio Por Nada
12- Pa'que
13- Ya No Me Acuerdo De Mi
14- A Ti
15- Bar

16- Pingüinos En La Cama (Piano & Strings Version)

PINGÜINOS EN LA CAMA

ACOPAMPÁÑAME A ESTAR SOLO


DE VEZ EN MES

A TI



Single "QUIÉN"

El martes 19 de junio, 2007, el cantante guatemalteco Ricardo Arjona presentó su tema ‘Quien’, primer sencillo promocional de su nuevo trabajo discográfico titulado “Quien dijo ayer”, que saldrá a la venta el 21 de agosto.“Quien dijo ayer” es un trabajo en el que Ricardo repasará once de sus máximos éxitos en nuevas versiones, algunas de ellas en dúo con afamadas personalidades. El disco, incluirá además tres temas inéditos.

“Quién” es el mundo fuera de la ventana y la cárcel construida por uno mismo. Es la libertad para escoger cualquiera y escoger la soledad como argumento a la nostalgia. “Quién” es una historia con la prisa de los desesperados, son los flash back de los que se quedan amando solos. Son las docenas de preguntas sin respuestas que taladran dejando agujeros de nostalgia. Quién es la pregunta que no hay que hacer pero se hace por el puro placer masoquista de los que piensan que padecer es el único remedio para el olvido.-

Ricardo Arjona.-

18 motivos pa dejarte, 14 consejos pa' olvidar 500 razones para odiarte, saco la cuenta y a sumar Millones de ovejas pa` el desvelo, cocktail de pastillas pa dormir…14 las muestras de tu pelo como cuchillos de faquir

¿Cuándo fue que se fue tu amor?
¿Cómo fue qué se fue sin mí?Qué no amanezca por favor.

Se trepa la luz por la ventana, se escuchan los autos por ahíTu adn esta en la cama y yo lo clono para mí

De tantas formas siento miedo que he preferido no salir 60 veces dije puedo, 80 mas me arrepentí

¿Cuándo fue qué se fue tu amor?
¿Cómo fue qué se fue sin mí?

Quién te besó lejos de aquí mientras te inventaba en la cama, Quién te rozó lejos de mí, quien te acompaña esta mañana. ¿Cuánto perdí? ¿Quién te ganó?¿Qué hago con este miedo a futuro?
Saco la cuenta y a restar

Son 7 lunes por semana, son 30 inviernos cada mes Las horas son de porcelana la vida un juego de ajedrez, Dejaste minas en la casa con objetivos de matar La vida llora cuando pasa la suerte ríe en el placard

¿Cuándo fue qué se fue tu amor?
¿Cómo fue qué se fue sin mi?

Quién te besó lejos de aquí mientras te inventaba en la cama, Quién te rozó lejos de mí, quién te acompaña esta mañana. ¿Cuánto perdí? ¿Quién te ganó? ¿Qué hago con este miedo a futuro?

Dejaste tu sombra merodeando sin permiso por la casa, la huella en la alfombra de tu espalda como cráter en la luna y tu reflejo en el espejo...

Quién te besó lejos de aquí mientras te inventaba en la cama, Quién te rozó lejos de mí, quién te acompaña esta mañana. ¿Cuánto perdí? ¿Quién te gano? ¿Qué hago con este miedo a futuro?
Saco la cuenta y a restar

Quién te besó lejos de aquí,

Quién te acompaña hasta mañana...

Campanilla.-

PRIMERA PARTE: .-.-.Ricardo Arjona.-.-.

The Boss

Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli. Nació en Freehold, New Jersey, EE UU, el 23 de septiembre de 1949 de padre irlandés (Douglas Springsteen) y de madre italiana (Adele Zirilli). Creció en Freehold, Nueva Jersey.
A la edad de 13 años compró su primera guitarra. En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, y luego también asumió el papel de vocalista principal.
Editó su primer disco en 1973, llamado "Greetings from Asbury Park", que vendió apenas 25.000 copias y tuvo poca acogida por la crítica. Su siguiente disco fue "The Wild, the Innocent and the E street Shuffle", editado el mismo año, que tuvo una repercusión mayor. Estos dos discos se caracterizaron por canciones largas y densas con gran expresividad en las letras.
Su primer éxito de público y crítica fue el álbum "Born to run" (1975),

álbum que contiene algunas de las mejores composiciones de la carrera de Springsteen, y a su vez de la historia del rock. Se trata de temas como Born to Run, Jungleland o Thunder Road.
Con "Born to Run", que fue número 1 en Estados Unidos, logró convertirse en uno de los referentes americanos del rock urbano.

Tras un parentesis por poblemas con su agente, publicó en 1978 "Darkness on the edge of town", uno los discos más emblemáticos de su carrera, comienzo de su mejor etapa como poeta urbano, con historias desgarradoras de lucha y supervivencia protagonizadas por indivíduos viviendo en los márgenes del sueño americano. Dos años después llegó su contundente "The River" (1980)

un álbum doble que le catapultó de nuevo al número uno. Un derroche de rock and roll y expresividad, que lo llevó a la cima. Sin embargo, cuando todo el mundo esperaba continuidad en su música, lanzó "Nebraska" (1982), un disco intimista, acústico, grabado por el propio Springsteen con una máquina de 8 pistas en un cuarto de su casa donde nuevamente el lado más amargo de la america profunda salía a relucir en una obra de fuerte denuncia social. Aplaudido por la crítica pero con ventas más discretas que su anterior trabajo debido a su escasa vocación comercial, "Nebraska" se ha convertido con los años en pieza de referencia para otros artistas y una obra de culto entre sus seguidores más acérrimos.
Fue en los años ochenta cuando se convirtió en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos, gracias a su disco "Born in the U.S.A." (1984)

del cual vendió más de 40 millones de copias en todo el mundo.
En plena vorágine "Springsteniana" su discográfica logró por fin lo que hacía años le reclamaban los fans del cantante, la publicación de un album en directo. Tanto Springsteen como su banda de acompañamiento, la E Street Band, se habían forjado durante años una reconocida reputación debido a la calidad y a la intensidad de sus actuaciones sin embargo hasta la fecha el de New Jersey se había negado a sacar a la luz ninguna de las grabaciones realizadas durante sus giras para desesperación de sus seguidores que se tenían que conformar con coleccionar todo tipo de grabaciones amateur de dudosa calidad. El quintuple disco "Live 75-85" recogía su trayectoria en vivo en los últimos 10 años, haciendo especial incidencia en la mega-gira que sigió a la publicación del "Born In The U.S.A.".

En 1987, casado con su primera esposa la actriz Julianne Phillips, saca a la luz "Tunnel of love"

que nos presentaba a un Springsteen más romántico e íntimo, interesado en explorar los recovecos de las relaciones de pareja y los miedos y carencias personales. Fue número 1 fulgurante y en su elaboración ya se anunciaban algunos cambios en la trayectoria del Boss ya que por primera vez no llamó a toda la E Street Band para su grabación sino que preparó por su cuenta las diferentes canciones llamando esporadicamente a algunos componentes del grupo para que participasen individualmente en la finalizacion de las composiciones. Durante la gira que siguió al disco se hizo publica la ruptura de su matrimonio con Julianne Phillips y unas semanas después se embarcaría junto a la E Street Band en una gira en conmemoración de los 40 años de la declaración de los derechos humanos promovida por Amnistía Internacional que resultaría ser la ultima gira con sus músicos de toda la vida durante los próximos 10 años.
A partir de 1991 comienza una nueva etapa en la carrera del músico norteamericano, casado ahora con Patti Scialfa, corista de la disuelta E Street Band, con dos niños y un tercero en camino Springsteen trata de reflejar la estabilidad y la felicidad alcanzada en su nuevo matrimonio y en su reciente paternidad en dos albumnes que por primera vez no obtienen el apoyo de crítica y público que acostumbraba. "Human touch" (1992) grabado en los angeles con diferentes músicos de estudio y "Lucky town" (1992), grabado por el mismo en el garaje-estudio de su casa pasan por los dos trabajos más discretos del artista y la gira realizada a continuación, mostrada timidamente en "MTV plugged" (1993) realizada con músicos reconocidos pero que no podían competir contra el espectro de la mítica E Street Band una de la que menos apoyo recibió el cantante por parte de sus seguidores.
En 1994 obtuvo un Oscar de Hollywood por la canción "Streets of Philadelphia"

incluida en la banda sonora de la película "Philadelphia" (1992), dirigida por Jonathan Demme y con ello comenzó a recuperar parte del prestigio puesto en duda en su última etapa musical.
En 1995 se editó un recopilatorio de sus mejores canciones hasta la fecha y 4 temas nuevos grabados junto a la E Street Band. Este fue el principio de su definitiva reunión con su antigua banda. Poco después, en 1996, se editó un DVD titulado "Blood Brothers" que recoge el reecuentro y la grabación junto a la E Street Band. Pero aún deberían pasar algunos años más ya que unos meses después Springsteen sorprendio al mercado con un movimiento similar al que hizo en 1982 publicando "The Ghost Of Tom Joad" 1995, trabajo íntimo, principalmente acustico, basado en la novela de John Steinbeck "Las Uvas De La Ira" donde aparece el cantante de New Jersey en soliratio relatando historias nuevamente de aquellos personajes que son dejados de lado en la carrera por el "sueño americano".

Ya en el nuevo siglo, se produce un giro importante en su carrera. Graba el álbum "The Rising" 2002 con un nuevo productor, Brendan O'Brien. El cambio de sonido es evidente y vuelve a las raíces de su rock más puro y demoledor, incorporando nuevos instrumentos y armonías. Algunas de las letras están inspiradas en los atentados del 11 de septiembre Nueva York. El éxito fue rotundo y propició una nueva gira mundial (su gira más extensa desde "Tunnel of Love Express" en 1987) y un nuevo directo "Live In Barcelona" que recoge el concierto celebrado en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 16 de Octubre de 2002.
Devils & Dust (Demonios y Polvo) se editó el 26 de abril de 2005, y se grabó sin la E Street Band. Es un álbum discreto, en su mayoría acústico, con un estilo muy parecido a "Nebraska" y "The Ghost of Tom Joad", aunque con más instrumentación. Algunas canciones fueron escritas unos 10 años antes, durante la gira "The Ghost of Tom Joad", o poco después. Había tocado dos de las canciones, pero no las había publicado. La canción que da nombre al disco trata de los sentimientos y los miedos de un soldado durante la invasión de Iraq de 2003. Starbucks rechazó un acuerdo de márqueting para promover la venta del nuevo disco debido, en parte, al contenido sexualmente explícito de la letra de una de las canciones, pero también a la política anticorporativa de Springsteen.

Springsteen comenzó su gira en solitario de "Devils & Dust" al mismo tiempo que el lanzamiento del álbum, tocando tanto en grandes escenarios como en pequeños locales. En algunos lugares no hubo gran afluencia de público, por lo que, excepto en Europa, fue más fácil conseguir las entradas que en otras ocasiones. A diferencia de la gira en solitario tras la publicación de "The Ghost Of Tom Joad" a mediados de los 90, Bruce tocó el piano, el piano eléctrico, el órgano, el autoarpa, el ukelele, el banjo, la guitarra eléctrica y el pedal steel, así como la guitarra acústica y la armónica, lo que aportó variedad al sonido en solitario. En algunas canciones sonaron sintetizador, otra guitarra acústica y percusión, aunque sin aparecer en el escenario. Las prodigiosas interpretaciones de "Reason to Believe" (Razón para Creer), "The Promised Land" (Tierra prometida), y "Dream Baby Dream" (de la banda Suicide) estremecieron al público, mientras las rarezas, las frecuentes canciones no previstas y sus ganas de seguir experimentando, errores al piano incluidos, dejaron encantados a sus más fieles seguidores.
Nada más terminar esta gira, se involucra en la creación de un disco folk de homenaje a canciones que inspiraron la música norteamericana del siglo XX y en especial a uno de sus máximos exponentes Pete Seeger, publicando en el mes de abril de 2006 el disco "We Shall Overcome: The Seeger Sessions". Para el cual reune a una serie de músicos folk y a algunos antiguos colaboradores, como varios miembros de los "Miami Horns", la violinista Soozie Tyrell o su propia esposa Patti Scialfa y forma la llamada The Seeger Sessions Band, posteriormente The Sessions Band, con la que sale ese mismo año de gira por EE. UU. y por Europa y con la que publica un nuevo album en directo: "Live In Dublin" 2007.

Soldado de Dios

Cine Club Charlot

Título original: Soldier of God

2005 (Estados Unidos)

Actores: Tim Abell, Nicholas Kadi, William Mendieta, Mapi Galán, Scott Cleverdon, Woody Adams, Michael Desante, Mercedez Alexander

Director: David Hogan

Música: Greg Walsh

Escrita por: Mir Bahmanyar, Kathryn Kuhlen

Fotografía: Neil Lisk

Duración aprox.: 94 min.

Distr.: Universal Pictures Video

Clasificación: Mayores de 13 años

Argumento:

Rene es un templario que sobrevive a una batalla contra las tropas de Saladino, es hecho prisionero, pero logra escapar al desierto. Cuando esta punto de perecer de sed y agotamiento un misterioso musulman le ofrece agua y comida. Proto podra agradecerselo porque al cabo se lo encuentra que le estan atacando. Rene interviene en la lucha y pone en fuga a los atacantes. El musulman, Hassan, esta herido. Con ayuda de Reno, no sin muchas penalidades consiguen llegar a un oasis. El oasis esta habitado por un bella mora, viuda su marido murio en la batalla.

Soheila, que así se llama la serracena, cura a Hassa y se enamora de Rene.

Reciben la visita del cuñado de Soheila, quien que la protege, al ser esta una antigua sierva cristiana,por clasismo no puede tomarla por esposa como es la costumbre musulma. Las leyes de la hospitalidad salvan a Rene de ser asesinado por el acompañante del cuñado. Este le informa que en contra de lo que el creia, fueron los cristianos los que rompierón una tregua que había acordada.

El cuñado, Musa ruega a Sohelia que acoja a un huesped que vendran en unos dias. Solomon, es el judio que ha pagado su rescate. Cuando llega Solomon, los tres hombres de las tres religiones comparten un banquete en el que hablan de sus diferentes puntos de vista.

Sostiene le cristiano que Jesús es el hijo de Dios, Hassan por lo contrario que solo es un profeta como otro cualquiera y el judio que era un loco. Todos alegan que Jerusalen les pertenece, por una u otra causa. Y a la prengunta clave ¿Por que se matan entre ellos? Responde Sohelia con la conocida fabula de la rana y el escorpión. Esta en su naturaleza.

Salomon, confirma la traición de los cristianos y de como el Gran Maestre de los templarios tambien ha traicionado a los suyos entregando la fortaleza de San Juan de Acre para salvar su vida, a costa de la muerte de todos sus hombres.

Aun asi, Rene, no puede renunciar a su lucha, ni siquiera por el amor de Sohelia, sus votos de castidad y su fanatismo religioso se lo impide.

Hassan revela su identida es un hassesin, un seguidor de la secta ismaelita la del Viejo de la Montaña, la antigua Al Qaeda de la época, tiene como misión matar a Saladino. Ambos se disponen a partir cuando son atacados por Solomon y otros hombres de Saladino. En la lucha Rene ciego de sangre mata a Saheila. Solomon revela antes de morir a Hassan que los cristianos han sido los que han pagado al Viejo de la Montaña para que mate a Saladino. Desengañado abandona su secta, mientras que Rene se adentra nuevamente en el desierto dondo eloquece y muere.

Comentario:

Aunque en el videoclub pone que esta pelicula se trata de una aventura, no lo crean es puro teatro, y teatro del absurdo. Toda la acción se desarrolla en el desierto y el oasis, un par de decorados. La película es simple y efectiva, no para nosotros que ya conocemos el mamoneo que se llevan las tres religiones desde siglos. Pero ilustrativa para aquellos que todavía desconozca la mayor estupidez jamas habida.

Medea (Fermín Cabal)

Arrebatos y delirios de una histérica furiosa en tierras de Corinto

¿Qué queréis de mí?
¿Qué me llamáis?
¡Aquí está Medea, la bruja, la hechicera,
aquí de frente a pesar de que el corazón apenas la sostiene! ¿Por qué huís, mujeres de Corinto?
¿Pensabais verla gemir, desfallecida en su alcoba,
lamentando la perfidia de ese hombre maldito,
de ese Jasón embustero por el que un día sacrificó
su honor y arriesgó su vida?
En la desgracia ajena hay siempre una victoria,
pero no os solazaréis con mi infortunio…
¡Un Dios sostiene a Medea, apiadado de su vergüenza,
y le presta su aliento para contestar vuestras chanzas…!
Insensatas, majaderas… De mí os burláis sin comprender
que la desgracia aflige por igual a todas las mujeres.
Todas nos vemos sometidas al yugo conyugal,
Aguantando sobre los riñones el peso de la familia,
viendo nuestra carne comprada a cambio de una dote
y humillada nuestra alma al servicio
del deseo caprichoso de nuestros dueños.
¡Y todavía hay que oírles decir que nuestra suerte
es feliz, pues no tenemos que defender a la patria
en el campo de batalla!
¡Al menos ellos van al combate protegidos
por petos y rodelas!, pero nosotras, desgraciadas,
¿qué escudo tenemos cuando nuestro vientre
revienta como una granada madura?
Decidme, entonces, ¿a qué vienen esas chanzas,
esas murmuraciones? ¿No es mi desgracia trasunto
de la vuestra? ¿No presentís en mis lágrimas el dolor
que os acecha a la vuelta del camino?
¿Os empuja acaso mi condición de extranjera?
¿Mi falta de recursos, privada como estoy del amparo
de mis leyes, y de la protección de mi familia?
¿Lo encontráis gracioso? ¿Divertido?

Oh, Padre Sol, Tú que con tus rayos sostienes
la apariencia e induces en los míseros mortales la ilusión
de cultivar sus cosechas, de engordar sus animales,
de recorrer los caminos como si llevaran a alguna parte,
Tú, que todo lo puedes porque tu materia incandescente
es la esencia última de la contingencia, ¡yo te invoco!
¡Retira tus rayos protectores y permite que se revele
el reino de las sombras y que los dioses funerarios
y en especial el ciego Caos escuchen mis conjuros!
¡Acude, Hécate, astro de la noche, y aplaca mi sed de venganza!
He ceñido mi cabello con esta cinta que remeda
el contorno del pozo, su brocal,
porque el mundo es un pozo, un agujero oscuro
que se hunde en lo ignoto y del que se espera siempre
agua nutricia, pero que a menudo se seca y no ofrece sino lodo,
ámbito de las culebras y los sapos, y ese pozo y su canal,
son también figura del tránsito que todos haremos
hacia la otra vida, no menos cierta que esta prisión
en la que nos arrastramos.
He cubierto mis hombros con ceniza, como es preceptivo,
y ya alzo la cuchilla que herirá mi brazo.
Mira mis venas desgarradas, como prenda ritual.
Oh, Hécate, mi sangre riega estas losas odiosas
que son testigo de mi desgracia,
y tiñe de rubor el rostro de sus caminos.
¡Que su sacrificio sea bastante
para que mis votos sean escuchados!
Mira esta prenda tejida por mi mano
durante todas las noches del pasado invierno.
Yo la hilé con sumo cuidado como ofrenda
de mi amor, de ese amor que ha sido escarnecido
por un vergonzoso adulterio. ¡Hazla tuya
y absorbe de esta hoguera,
altar sagrado ante el que oficio,
la fuerza destructora de sus llamas!
¡que como lenguas de un perro enloquecido
laman sin descanso las carnes de la infame
cuando, recibiéndola como un presente, se la vista!
¡Y que esta guirnalda de flores,
bellamente trenzada sobre una lámina de oro,
sea el cruel instrumento por cuyo medio
mi ira se vea aplacada!
¡Que los rayos de mi padre el Sol,
en ella reflejados,
incendien el tejido de este peplo finísimo,
la asfixien entre horribles chillidos
mientras el fuego derrite sus miembros
y sus cabellos se alzan flamígeros
como la antorcha de una boda!

MEDEA

¿Tan terrible te parece la muerte?
¡Morir, morir! ¡Como los griegos
tiemblas ante la muerte!
¿No ves que nuestro padre Helios,
el divino sol resplandeciente, muere ensangrentado
todas las tardes, y regresa sin tardanza
otra vez por la mañana?
¡La muerte no es sino un descanso,
el lugar, quizá, donde se realizan los sueños!
Descanse Glauce, y descanse Creonte,
y descansen mis hijos, criaturas inocentes,
pero ese Jasón, ese semental engreído,
no tendrá descanso. ¡Su sufrimiento
no ha hecho más que comenzar!
¡Aún no imagina lo que le espera!

NODRIZA
¿Tus hijos? ¿Qué descansen tus hijos, dices?
¡Ay, temo que estás tramando otra nueva iniquidad!

MEDEA
Mis hijos son el fruto de mi vientre
y a su madre se deben sin excusa.
Ellos me ayudaron a acabar con Glauce,
llevándole los arteros regalos,
y ahora me ayudarán a castigar a su padre,
hiriéndole en lo más profundo del corazón,
allí donde reposan los sentimientos.
¡Llorará Jasón, llorará sin cuenta, por los días
de sus días! Y como, a pesar de su apariencia
guerrera, es de ánimo indeciso,
su suplicio se prolongará inútilmente
hasta que un dios, apiadado,
le dé caritativa muerte,
al ver que su cobardía le impedía
acabar por su propia espada.

NODRIZA
¡Pero si algo les haces a esos niños,
desdichada, tú también llorarás!

MEDEA
Lloraré, sí, ya estoy llorando… Pero más habré
de llorar si les arrastro conmigo, pues los hijos
son un vínculo perenne entre los esposos.
Viéndoles crecer, yo veré crecer también a Jasón.
Viéndoles crecer, yo veré también crecer mi error.
Viéndoles crecer yo seré esclava de contradictorios
sentimientos, mientras Jasón, reposado,
ausente la preocupación de su cabeza,
sabiendo que sus vástagos están siendo educados,
olvidará a Glauce y a la demente Medea,
y encontrará consuelo en otra presa de su concupiscencia.
¡No!
Nodriza, es justo y necesario que ellos mueran
para que su madre quede libre y pueda volver
a sonreír dentro de un tiempo, aunque ahora
tenga que llorar sangre, y bilis, y las más
ásperas lágrimas. Pero, como el sacerdote
de nuestro culto, por la sangre saldré purificada.

NODRIZA
¡Oh, Medea, apiádate de esas criaturas!

MEDEA
¡Ni tú ni yo sabíamos, pero los dioses
han querido que nacieran muertos!
Preocúpate ahora de ti misma;
¿no ves que los corintios
obligados por las leyes de la venganza
no van a respetar tu vida?
¡Calla y apresúrate!

(Alfredo)

Magritte y su eterna fantasia

Sala de Exposiciones Van Gogh

Magrittegran pintor belga René Magritte, uno de los surrealistas más originales, maestro en el arte de yuxtaponer lo cotidiano y lo turbadoramente extraño. En sus cuadros, como dijo un crítico, se da, de un modo abrupto, la violación del sentido común, normalmente a plena luz del día. De este artista obsesivo, radicalmente figurativo, de fuerte contenido erótico y con un particular sentido del humor.

Los cinco grandes temas de la obra de Magritte: narrativa y misterio, encuentros fortuitos, metamorfosis, mecanismos del lenguaje y el cuadro dentro del cuadro.
René François Ghislain Magritte nació en Lessines, Bélgica 21 de noviembre de 1898.
Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Al año siguiente participó en la primera exposición colectiva de los surrealistas en Paris, donde frecuentó el círculo surrealista, que incluyó a Jean Arp, André bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en el estilo que predominó a lo largo de su larga carrera. Vuelve a Bélgica en 1930.
Expone por primera vez en Nueva York en 1936, alcanzando fama mundial. Recibe el Premio Guggenheim en 1956. Visita Estados Unidos por primera vez en 1965, con ocasión una retrospectiva en el museo del arte moderno en Nueva York.
Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico.
Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.
Prototipo del surrealismo de habla francesa.
Su obra es más conceptual que la de otros contemporáneos suyos. Mientras que Dalí invoca al sub-consciente emocional, Magritte apela a la inteligencia del espectador, buscando siempre la contradicción intelectual o verbal. Por ejemplo, el título de sus obras es también surrealista y raramente se corresponde con el contenido.
Aún así obtiene resultados de notable fantasía.

Posteado por Clara